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MAURIZIO ZACCARO – SHOWREEL

 

Il meglio dal 1987 al 2012. 25 anni di lavoro in 10 minuti! 

From 1987 to 2012. Recalling 25 years of work in ten minutes. Music by Zack Hemsey.

 

 

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TIMELINE

 

2016: La felicità umana/Le bonheur human/Human happiness 34° Turin Film Festival –  4° Peace Film Fest,  Special Jury Award.

2015Il sindaco pescatore. With Sergio Castellitto, Renato Carpentieri, Anna Ferruzzo, Maurizio Marchetti, Andrea De Maria, Lavinia Guglielman, Rosaria De Cicco.

2014: A testa alta – I martiri di Fiesole TV movie with Giorgio Pasotti, Nicole Grimaudo, Raffaella Rea, Johannes Brandrup, Marco Cocci, Alessandro Sperduti, Ettore Bassi, Andrea Bosca and Giovanni Scifoni

2013: Adelante Petroleros – L’oro nero dell’Ecuador 31st Torino Film Festival, San Marino Film Festival, Lake Como Film Festival, loDocumentary-movie

2012: Il piccolo mare (luoghi e persone di cui voglio riferire) Documentary-movie with Alfonso Marchi printer, Annalisa Teodorani poer, Tonino Guerra screenwriter

2011: Un foglio bianco. 68th Venice Int. Film Festival 2011 –  documentary-movie with Ermanno Olmi, Rutger Hauer, Michael Lonsdale

2010: Le ragazze dello Swing  Golden Nymph best mini-serie and best actresses 51° Film&TV Montecarlo, Golden Magnolia  best director  Shanghai IFF Flaiano  award best actress A. Osvart. Nel cast: A. Osvart, L. Verbeek, E. Schaap.

2009: Il Piccolo 66th Venice Int. Film Festival 2009 . Documentary-movie on Piccolo Teatro in Milan with T. Servillo, A. Jonasson, G. Lazzarini, L. Gullotta, G. Battiston, F. Graziosi, F. Soleri.

2009: I Nove Semi (L’India di Vandana Shiva) 57th Trento Film Festival, 28th Bellaria Film Festival, 13th Cervino Cinemountain Festival. . With Vandana Shiva and the community of Navdanja (India)

2007: Il bambino della domenica Cast: G. Fiorello, A. Caprioli, D. Coco, Riccardo Nicolosi

2006: ‘O Professore National preview 1° Fiction Fest with  Italian President Giorgio Napolitano. Cast: S. Castellitto, L. Ranieri.

2005: Mafalda di Savoia Ennio Flaiano award 2006 best actress S. Rocca. Cast: S. Rocca, C. Coureau, J. Brandrup, H.Prinz, F. Castellano.

2004: Il Bell’Antonio “Golden Chest” 2006 at Tv I.F.F. of Plovdiv, Bulgaria. Finalist 2006 Tv I.F.F. Reims, France. Cast: D. Liotti, N. Grimaudo, L. Gullotta, L. M. Buruano.

2003: Al di là delle frontiere Golden Efebo 2004 best direction, best actor. Silver Efebo 2004 a S. Ferilli. Flaiano Award 2004 for best actor. J. Brandrup

2002: I ragazzi della via Pal . Cast: M. Adorf, V. Lisi, N. Brilli, G. Battiston.

2001: Cuore International TV Award 2002.  Anton G. Majano award  2002 best direction, best actor L. Gullotta. Golden Grolla for best actress A. Valle, Golden Efebo for best actor L.Gullotta. Cast: G. Scarpati, A. Valle, L.Gullotta.

2000: Un dono semplice O.C..I.C. award at Montecarlo F&TV Festival 2001, Prix Italia 2001. Cast: M. F. Abrham, V. Lisi, R. Grauwiller

1999: Un uomo perbene Pasinetti award at 56th Venice Int. Film Festival 1999. Special event.  I. Silone. award Sulmona FF. Golden Grolla 1999 for best actor S. Accorsi. David di Donatello best supporting actor L. Gullotta. Silver Ribbon for best subject S. Tortora. Golden Globe for best actor L. Gullotta. National award Quality Movie. Cast: M. Placido, M. Melato, G. Mezzogiorno, S. Accorsi, L.Gullotta

1998: Cristallo di Rocca 14 TV re-runs since 1998 Cast: T. Moretti, V. Lisi, T. Zajkova, L. Gullotta, O. Antonutti.

1997: La Missione  FIBA d’OR award Biarritz IFF Cast: M. Placido, M. Ghini, B. De Rossi.

1996: Il Carniere Five nominations David di Donatello, four  nominations Globo d’Oro, one nomination  Nastro D’argento. David di Donatello best supporting actor L. Gullotta.  Karlovy Vary IFF.  S. Leone award Annecy FF.  S. Amidei award best screenplay. Audience award Festival Cinema Grosseto. Audience award Freistadt IFF. Special mention  Kiev IFF. National award Film di Qualità.
Cast: M. Ghini, A. Catania, R. Zibetti, P. Djukelova. H. Shopov

1995: Testa matta (aka: Cervellini fritti impanati, titolo imposto dalla produzione, mai approvato dall’autore) Annecy film Festival,  Golden Globe for best actor to A. Haber. Cast: A. Galiena, A.Haber, R. Citran.

1993: L’Articolo 2 Berlin Film Festival 1994, Annecy Film Festival.  Solinas award for best original screenplay.  Cinema e Società  award best movie, 1st award to Storie di Cinema, special mention FCE to Karlovy Vary. Crystal Globe Nomination 1994. National Award Film di Qualità. Cast: M. Mifta, N.El Mcherqui, R. Ben Abdallah, F. Bussotti, F. Sartor.

1992: Kalkstein – La valle di pietra 49th Venice Int. Film Festival, Montreal Int. Film Festival, Goteborg Int. Film Festival, Annecy Film Festival. Grolla d’Oro 1992 for best script, Targa Anec best film direction, award Ciack d’oro best costumes, Award San Fedele 1992/93 best movie. Award O.C.I.C. at Montreal IFF. Cast: C. Dance, A.Bardini.

1990: Dove comincia la notte 48th Venice Int. Film Festival, Wurtzburg Int. Festival, Annecy Film Festival . David di Donatello for beginner director. Award Cinema e Società. Targa Anec. Cast: T. Gallop, C. Wilder, Kim M. Guest.

1988: In coda alla coda 36th San Sebastian Film Festival, Cairo Film Festival, Annecy Film Festival. Award for best actor Festival del Cinema Ind. of Bellaria. Cast: A. Haber, F. Serra.

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MAURIZIO ZACCARO. Diplômé de l’école de cinéma de Milan en 1977, il est caméraman puis assistant d’Ermano Olmi, notamment sur L’Arbre aux sabots, Longue vie à la Signora et À la poursuite de l’étoile. Il réalise une quinzaine de courts métrages et un moyen métrage In Coda della Coda avant d’obtenir l’appui de Pupi Avati pour tourner aux Etats-Unis son premier long métrage. Où commence la nuit obtient le prix di Donatello en 1991. Ce jeune cinéaste talentueux se signale par une mise en scène soignée, une belle observation du comportement humain et une grande puissance à reconstituer la réalité. Kalkstein décrit l’amitié entre un géomètre et un prêtre qui rêve de faire construire une école pour les enfants de sa région. L’Article deux s’inspire de l’atmosphère poétique du néo-réalisme italien pour défendre les traditions du Maghreb. Il obtient la consécration avec Le Charnier, film de guerre parfaitement maîtrisé. Appelé également La Gibecière, ce récit de chasse se présente comme une parabole sur les conflits fratricides de Yougoslavie avec un brillant interprète Leo Gullota. Un Homme respectacle, où Michele Placido incarne Enzo Tortora, animateur vedette de la RAI, injustement accusé et incarcéré, reçoit un prix à Venise. Il est à regretter que Zaccàro se consacre depuis à la télévision (La Mission avec Placido, Cuore, Cristal de roche) et au documentaire (Il Piccolo), bien que l’on retrouve dans ses deux domaines les qualités de courage et d’application pressenties dans ses premiers films.

 

2014 - "Torneranno i prati"

1980 - "Camminacammina" 1980 – “Camminacammina”

2014 – “Torneranno i prati”

 

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Maurizio Zaccaro was born in Milan. After ending his study at the Milan Film School (1977) he took on work in Ermanno Olmi Film Factory and at the same time developed several short movies.
But with the debut of his movie Where the night begins- Dove comincia la notte (1990), a horror film, he received the David di Donatello Award for Best New Director and stepped into the business of film-making. This first movie, entirely shot in United States, is also one of the few that he didn’t write himself. Two years later his second movie Kalkstein – The valley of stone (1992) followed, though not released abroad. This film was the cinematographic adaptation of a novell of the Austrian writer Adalbert Stifter. the Another couple of years later the outstanding Article 2- l’Articolo 2 (1994), a movie in a style reminiscent of the movies of Italian Neorealism with an almost poetic-like atmosphere. L’ Articolo 2 won the Solinas award for best screenplay.
In 1996, Zaccàro made the war movie The game bag – il Carniere, which also won David di Donatello for best supporting actor, Leo Gullotta, award. Later he directed another important movie as A respectable man (Un uomo perbene) (1999) a legal thriller on Enzo Tortora, a well known anchorman of Italian television. A respectable man won the Pasinetti award in Venice Film Festival 1999, another David di Donatello for best supporting actor award and a Silver Ribbon for best screenplay. Zaccàro then showed his ability to direct TV movies as well. It resulted in many successful fictions as La missione (The Mission) (1997), Un dono semplice -A simple gift (2000), Cuore-Heart (2001), and I ragazzi della via Pal (The boys of St. Paul street) (2003). Some others of his most successful TV films were Al di là delle frontiere -Beyond borders (2004), Mafalda di Savoia -Mafalda of Savoy (2005), O Professore -The professor (2006), “Lo smemorato di Collegno – The Forgetter” and “Le ragazze dello swing – The queens of swing” awarded in Montecarlo and Shanghai film Festival as best director.

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“Nello scrivere, preparare e girare un film ho un’unica certezza: ogni decisione presa non potrà mai piacere a tutti. Ed è una certezza che mi rende leggero e libero come la piuma di Forrest Gump. Quello che conta, a quel punto, è solo la qualità del mio lavoro”  

Conf. Stampa al 66º Festival di Venezia. (2009)

“In writing, preparing, and shooting a film, I’m certain of one thing: I can’t please everyone with each decision I make. This certainty makes me feel free and easy, like the floating feather in Forrest Gump. So, what counts, is only the quality of my work.” 

Press conference, 66th Venice Film Festival (2009)

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Zaccaro: anche nel cinema è dura trattare il tema dell’ immigrazione

di SIMONA SPAVENTA. La Repubblica  20 0ttobre 2010

IN QUESTI giorni è in Puglia con Ermanno Olmi, che lunedì a Monopoli inizierà le riprese di un nuovo film, Il villaggio di cartone, che parla, guarda caso, di immigrazione. Un tema caro al regista milanese Maurizio Zaccaro che, con bell’ anticipo sui tempi, quasi vent’ anni fa l’ aveva messo al centro di uno dei suoi film più coraggiosi (e più premiati): L’ articolo 2. Una storia di lavoro, immigrazione e diritti negati ambientata nell’ hinterland, uno degli appuntamenti più interessanti della rassegna Sguardi al lavoro, da oggi a sabato all’ Oberdan, voluta dalla Cineteca e da Inail per mettere a fuoco problemi come sicurezza e precariato, morti bianche e disoccupazione attraverso una bella serie di film e documentari, tuttia ingresso gratuito: dai palazzinari romani di La nostra vita di Daniele Luchetti (sabato, ore 19) all’ alta borghesia milanese in declino di Luca Guadagnino in Io sono l’ amore (stasera, ore 21, alla presenza del regista), dai nuovi poveri del documentario di Giovanni Calamari Debito d’ ossigeno (sabato, ore 17.30) a George Clooney tagliatore di teste in Tra le nuvole di Jason Reitman (sabato, ore 21.15). Fotografie recenti di una realtà difficile, spesso esplosiva, non così diversa da quella che Zaccàro racconta nel suo film (in cartellone venerdì alle 19, seguito dall’ incontro con il regista e Maurizio Nichetti che lo produsse, e da un nuovo documentario di Zaccaro sulla paladina indiana della biodiversità, Vandana Shiva ), girato nell’ ormai lontano 1993: «Lo spunto mi venne dalla cronaca – racconta – . Su un giornale lessi un trafiletto su un operaio marocchino raggiunto a Bologna dalla sua seconda moglie. Un caso di bigamia che la legge italiana non sapeva sbrigliare». La storia, nella pellicola, diventa quella dell’ algerino Said, immigrato che lavora, stimato e in regola con tutti i permessi, come operaio nei cantieri del passante ferroviario, «che allora era in costruzione a Paderno Dugnano, girammo alcune scene molto belle nelle gallerie». Una vita di fatica, ma che scorre tranquilla in un appartamentino di 60 metri quadrati in periferia insieme alla moglie Malika e ai tre figli, finché dall’ Algeria arriva l’ altra moglie, Fatma, con tre bambini al seguito. E iniziano i problemi con la giustizia e la burocrazia, un garbuglio legale «che mi serviva a mostrare come gli immigrati non fossero protetti. Né sul lavoro, perché il film si conclude tragicamente con un incidente al cantiere, né dal punto di vista dei diritti. In barba all’ articolo 2 della Costituzione, che dice che la Repubblica garantisce i diritti inviolabili di tutti gli uomini,e parla di solidarietà politica, economica e sociale». Tutte cose rimaste sulla carta? «Nel 1993 il film fece scandalo, alle proiezioni i dibattiti erano accesi, la gente non era pronta a recepire cose come la poligamia. Ma, con Seneca, io dico che culture diverse portano arricchimento reciproco. Eppure, devo constatare che da allora non è cambiato niente. Anzi. Basta vedere le dichiarazioni di Angela Merkel sul fallimento del modello multiculturale. La politica oggi, pur di avere voti, cavalca il malcontento. E i produttori non rischiano più. Oggi, un film come L’ articolo 2 non potrei più farlo».

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“Oggi i produttori non esistono e quei pochi si dichiarano tali non servono a niente; quindi non perdete tempo a cercarli. Servono invece idee originali, libertà d’espressione, novità della modalità creativa ed esecutiva, una telecamera HD, una piattaforma di montaggio e, ovviamente, tanta determinazione. La regìa è fatta per i giovani, diceva Frank Capra, che così conclude la sua autobiografia: “Amico, tu sei un impasto divino di fango e polvere di stelle. E allora datti da fare: se le porte si sono aperte per me, si possono aprire anche per te.”  

Conf. stampa Piazze di Cinema . Cesena 2011

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Maurizio Zaccaro: quando la regia è amore puro 

La sua ultima miniserie, “Le ragazze dello swing” sarà in onda sulla Rai a fine settembre. Un nuovo viaggio “retrò”, realizzato ancora un volta sull’onda di una grande passione per il suo lavoro e i suoi attori. 

di Paola Simonetti – 23/09/2010

 A lui piace raccontarlo, oltre che farlo il suo mestiere. Ne parla a fil di voce, con garbo, con lo stesso rispetto e generosità che usa con gli attori, il “materiale” con cui ama di più armeggiare  nel suo lavoro. Maurizio Zaccaro, regista e sceneggiatore 58enne, milanese, reduce dalla lavorazione della sua ultima miniserie tv incentrata sulle vicende del Trio Lescano, ‘Le ragazze dello swing’ (in onda su Rai Uno il 27 e 28 settembre prossimi, alle 21,10), si rende disponibile senza filtri: ti da del tu con la stessa naturalezza con cui mette in spalla la macchina da presa. E si racconta con una passione fresca e ancora sveglia, anche dopo 30 anni di lavoro ininterrotto:

Maurizio, che regista sei sul set con i tuoi attori?

“Mi piace lasciare loro la massima libertà di agire. Una libertà coadiuvata da un modo molto personale che ho di girare: una macchina a mano, di cui sono io stesso l’operatore. Una tecnica non al servizio estetico dell’inquadratura, ma al servizio dell’attore, per renderlo libero, creativo, spontaneo. Mi piace molto quello che un interprete può regalare in quel momento, anche se non previsto. Non a caso una delle prime domande che faccio sul set, quando siamo quasi pronti per girare è: ‘Tu come faresti la scena’ “.                                                                                                                             
Nessuna smania di controllo insomma…

“Assolutamente no. Piuttosto sono costretto ad averne sul tempo, che è sempre meno in questi progetti televisivi. Io vivo di improvvisazione, la chiedo da sempre agli attori con cui lavoro. Quelli che mi seguono da anni lo sanno, e trovano in questo modo di girare la possibilità vera di esprimersi”.

Dunque, macchina in spalla, attori pronti, arriva il ciak e cosa accade?

“Dopo il disordine che accompagna la preparazione della scena, quando si fa silenzio e dalla prova si passa al ‘ciack, motore!’, ecco che l’attore è lì, spesso in preda alla sua fragilità, quella che amo vedere perché portatrice di un’autenticità senza la quale non so girare. Nessuna grande preparazione tecnica può creare lo stesso risultato. Questa per me è una delle leve mie nel lavoro: la credibilità. É più forte di me, non riesco a mettere in scena una cosa se non è credibile”.

Come si realizza questa “credibilità”? 

“Ho bisogno della totale alleanza, comprensione dell’attore in quel momento. Se questo avviene, l’interprete è in grado anche di aggiungere qualcosa di suo che non c’era in sceneggiatura. Perché le sceneggiature sono scritte sulla carta, ma le nuove scritture, quelle che devono funzionare sono l’allestimento della scena, l’interpretazione dell’attore e la mano del regista.

Gli attori, immagino però possano essere un “materiale” anche non facile da gestire..

“Io amo molto gli attori. Li amo profondamente anche nelle loro insicurezze, nel loro cercare appigli dovunque per essere il più sicuri possibili. Spesso scalpitano, si innervosiscono. Soprattutto quando sono giovani e arrivano davanti alla macchina da presa tremebondi. Allora occorre rassicurarli, metterli a proprio agio, favorendo un’atmosfera rilassata, serena, non  permeata di soggezione. Io ci riesco con la mia macchina da presa che non è un totem, ma uno strumento che li segue, senza quasi essere avvertito, che li fa sentire in una dimensione più da palcoscenico che da set. E poi cerco di dar loro il tempo di trovare il giusto fiato, tempo, il modo di dire la battuta, ma anche di trovare un silenzio, uno sguardo, un incedere del corpo. Ma l’attore deve esserci completamente…”

Cosa intendi?

“Non amo lavorare con professionisti che fanno duemila cose, e che dopo aver girato le loro pose, il giorno dopo partono a fare altro. Mi piace sentire l’attore presente a quello che fa, in quel preciso momento in modo esclusivo. Anche perché spesso c’è necessità di girare di nuovo una scena o di girarne una in più o una non prevista”.

C’è qualche attore, qualche aneddoto che ricordi con particolare piacere?  

“Ricordo con grande piacere quando girai ” ‘O professore”, con Sergio Castellitto, che interpretava un professore di strada a Napoli. Doveva girare una scena con una 30ina di ragazzini, che non avevano mai recitato in vita loro. L’atmosfera che si era creata tra noi era quella di un gruppo di matti, che condividevano però il medesimo progetto. I ragazzi hanno trovato una loro dimensione di gioco e divertimento, con Castellitto che scherzava e che si era trasformato in una specie di padre per loro, ed io altrettanto. Il tutto a Napoli, in un ambiente tosto come è l quartiere Sanità”.

In questo nuovo cast, c’è ancora una volta un altro attore che ami: Giuseppe Battiston…

“Sì, non nascondo che è uno dei miei preferiti, proprio perchè ha tutte le caratteristiche che ho nominato finora. Naturale, flessibile, pronto. Con lui non è lavorare, è intendersi con un semplice sguardo. Siamo diventati amici, condividendo ogni volta un’intimità progettuale, professionale, umana”.

Un personaggio particolare il suo..

“Sì, è un impresario a dir poco spregiudicato, che lascia senza fiato e del quale non svelerò di più. Quando ci siamo incontrati io e Beppe per parlare di questa nuova fiction, glielo precisai: si cammina sul filo del rasoio, tra la macchietta e la vera drammaticità. Un profilo caratterizzato da due colori contrastanti. Ma lui è assolutamente perfetto. Mi piace quando un attore attraverso gli ostacoli della sceneggiatura, diventa altro e sa cambiare”.

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“Giro così, sempre con la macchina a mano, per sentirmi libero e soprattutto autentico, ma anche per dare ai miei attori la stessa libertà d’espressione e di movimento. Senza questa libertà e autenticità tutto resta superficiale, poco credibile e l’attore stesso rischia di diventare solo un’ombra o il “riflesso” di quello che dovrebbe essere. E’ come se invece di vedere le cose nella loro realtà, vedessimo i loro riflessi in uno specchio. Nelle riprese di un film dobbiamo, con semplicità formale e linguistica, esaltare la profondità dei contenuti e impegnare tutte le nostre energie per attingere alla “cosa vera” e non a una sua forma illusoria. “

Conf. Stampa – 56° Trento Film Festival 2010

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DE AMICIS IN TV: INTERVISTA A  MAURIZIO ZACCÀRO

di Danila Elisa Morelli © 2001

Dodici mesi di preparazione, ventiquattro settimane di riprese, 1700 costumi, oltre 4000 comparse ma soprattutto ben 3500 provini per trovare i giovani protagonisti: ecco alcuni ingredienti base che sono stati utilizzati per realizzare “Cuore”, lo sceneggiato che Mediaset trasmetterà a partire da domenica 11 novembre su Canale 5. Abbiamo incontrato Maurizio Zaccaro, regista di questo ambizioso lavoro.

Hai definito il tuo lavoro “cinema per la televisione

E’ una definizione che mi piace: una volta era il cinema ad essere l’arte popolare per eccellenza, oggi è il piccolo schermo a svolgere questa funzione. Io divido la televisione in tre tasselli precisi: oltre ai prodotti televisivi classici, ci sono “il cinema in TV”, ovvero i film del grande schermo acquistati e trasmessi dal piccolo, ed “il cinema per la TV”, una sorta di nicchia dove un autore di cinema come me lavora benissimo nonostante le ovvie differenze tra i due media.

Hai molto insistito per girare a Torino…

Ci tenevo molto perché cerco sempre l’autenticità di scena: ho bisogno della profondità, del gioco di prospettive. In questo modo ho ottenuto anche l’autenticità dei personaggi: tutti i giovani protagonisti sono di Torino.

E’ stato difficile trovare la tua “sporca dozzina”?

Li ho trovati andando controcorrente ed dribblando le madri che mi portavano i figli con i book fotografici, impomatati, profumatissimi,… I prescelti sono tutti alla prima esperienza e ricchi di talento: starà ai genitori saperli crescere aiutandoli a svilupparlo.

Cosa hai dovuto tralasciare del libro?

Tre racconti mensili. Soprattutto “Il Naufragio”: non potevamo fare un mini-Titanic per la televisione!

Un aggettivo per definire i tre protagonisti.

Giulio Scarpati è preciso, puntuale nella qualità d’esecuzione. Anna Valle ti riscalda l’anima perché recita affidandosi completamente a te. Gullotta non ha aggettivi perché per me non è più l’attore ma un fratello.

“Cuore” è attuale?

Sì: è un modo per mettere a fuoco la necessità del confronto con “l’altro”. Nel 1890 c’era l’immigrazione dal Sud Italia: i meridionali che arrivavano al nord erano definiti “africani”. Ora sono proprio gli africani a trovarsi nelle classi. Non si ottiene nulla chiudendo le frontiere…

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LE ESISTENZE PERDUTE DI KALKSTEIN – LA VALLE DI PIETRA

Venezia Lido, settembre 1992

di Gianni Furlanetto

D. Nel film c’è dietro la tua percezione della realtà, o forse, come sembra, è il racconto è permeato di un anelito ad una vita diversa e forse ormai perduta?

R. Nel film c’è un invito ad osservare le cose un po’ più in profondità, un po’ più con una lente d’ingrandimento rispetto a quello che facciamo noi oggi. Diciamo che è un richiamo ad andare a scavare anche nelle minime cose e questa è la lezione di Adalbert Stifter come scrittore e l’adattamento nella sua realizzazione cinematografica porta a vedere come si può fare.

D. I bambini che ruolo hanno?

R. I bambini erano, nell’idea iniziale di Stifter, i destinatari della storia, poi dopo sono diventati i protagonisti e sono un po’ il nucleo fondamentale della metafora?

D. Quante modifiche sono state apportate rispetto al romanzo originale di Stifter?

R. Poco perché è molto fedele al libro?

D. Anche il modo di raccontare e quindi il flash-back fa parte del libro?

R. Certo, anzi è stato un po’ snellito perché il flash-back del parroco nel libro è un terzo di tutto il racconto. Quindi si trattava di snellire un attimo, nell’adattamento cinematografico, una parte del libro che è molto consistente.

D. Quale è il tuo rapporto con Ermanno Olmi?

R. É un’amicizia abbastanza profonda…

D. E in questo tuo film che ruolo ha avuto, visto che il clima del film richiama un po’ la produzione tipica di Olmi? Il soggetto te lo ha suggeerito lui?

R. Sì, è appunto un soggetto che nasce da una sua idea; la sceneggiatura è stata scritta insieme dopodiché non si è più visto e ci troviamo qui con il prodotto finito.

D. Al momento della realizzazione del film, quindi alla ripresa delle scene, c’è stato un contatto?

R. Sì, certamente, anche perché non è stato semplice costruire… tutto quello che avete visto è stato tutto ricostruito su tutte scenografie… e lì ci voleva l’occhio di qualcuno un po’ più esperto insomma.

D. Riguardo al tuo passato di direttore della fotografia, che cosa ti ha spinto alla ricerca di questi luoghi e che cosa ha provato – so che alcune scene sono state girate nell’appennino tosco-emiliano – e che studi ha fatto per la fotografia?

R. La fotografia deve essere funzionale a tutto quello che viene fatto vedere senza eccedere, senza ridondare sulle luci e sui colori… è una fotografia molto semplice, molto veloce da realizzarsi, però è anche molto pulita.

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“Sul set non amo fare molte prove e battere decine di ciak della stessa scena per “migliorare il lavoro dell’attore sul personaggio”, come diceva Stanislavskij. Ma chi se ne frega di Stanislavskij! Mi piace invece dare spazio all’attore, vivere con lui, capire insieme le varie possibilità che offre una scena. Adoro l’improvvisazione che apre la mente e il cuore. Il resto è noia, muffa ed esteriorità di una recitazione senz’anima: il trionfo della mediocrità.” 

Spazio Oberdan – Il cinema italiano visto da Milano 2013

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10 Settembre 2009 – Conferenza Stampa Venezia 66

“Il Piccolo”

di Francesco Lomuscio

Con il sostegno morale del regista e critico teatrale Maurizio Scaparro, Maurizio Zaccaro è approdato presso la 66ª edizione della Mostra d’arte cinematografica di Venezia per presentare alla stampa “Il piccolo”. Al suo fianco, Sergio Escobar, direttore del Piccolo Teatro di Milano, Luca Barbareschi e Franco Scaglia, presidente di Rai Cinema.

Come è nato questo film?

Maurizio Zaccaro: Girare la storia del Piccolo Teatro è stato per me come tornare a casa a Milano, dopo tanti anni. Ne ho parlato con i miei collaboratori e ho cercato un percorso che evitasse le tradizionali interviste al fine di dare al tutto un dinamismo particolare, autentico.

Il film è dedicato a Tullio Kezich, recentemente scomparso…

Maurizio Zaccaro: Questa cosa mi sta molto a cuore, vedere sullo schermo Tullio mi metteva anche scrupolo se tenerlo o no nel film. Tullio, però, mi ha sempre accolto come un amico, lo ha fatto con forza dirompente, come quando stava bene.

Cosa devono fare gli attori di teatro quando i tempi sono bui?

Sergio Escobar: Il lavoro che abbiamo fatto è stato cambiato perché, in realtà, nel teatro si percepiscono le suggestioni. Si è lavorato con i tempi e la sensibilità del teatro, potrei riassumere il film nel coraggio del presente. Il coraggio di Maurizio è stato quello di mettere le mani nella memoria del presente e del futuro. Poi, cosa unisce teatro e cinema? La fiducia della parola, e il nostro compito è capire come sarà possibile fare questo teatro.

Quale era la necessità di un’operazione del genere?

Franco Scaglia: Siamo molto felici di questo film e sono orgoglioso che appartenga a una società di servizio pubblico. Gli occhi del Piccolo sono gli occhi della rinascita del paese dopo il 1945.

Luca Barbareschi: Sono già state dette molte cose, quindi volevo solo ringraziare per l’opportunità che mi è stata data. Mi ha chiamato Cecilia Valmarana, poi, io sono un uomo di teatro, lo faccio da trent’anni anche se sono spesso in tv o al cinema, e spero di morire facendo teatro. Purtroppo, mi trovo a rappresentare un governo di cui, sinceramente, non rispecchio l’atteggiamento verso la cultura, quindi, per me, questo è un momento imbarazzante. Quando il Consiglio dei ministri ha detto che mangiare la polenta è meglio che andare a teatro mi sono molto arrabbiato, mi sono sentito insultato. Se non ci organizziamo come industria, finiremo con il perdere le quote del teatro, anche perché ne stanno chiudendo molti e ne stanno arrivando altri dall’estero.

Maurizio Zaccaro vuole aggiungere qualcosa?

Maurizio Zaccàro: Il fatto che tra noi, qui, vi siano diverse passioni politiche e di altro tipo, mi fa pensare che ciò che ci divide è molto più piccolo di ciò che ci unisce. Mi dà molta fiducia il fatto che qui vi sia una comunità mista. In questo momento, le arti si confondono e la differenza tra l’oasi e il deserto non è l’acqua, ma l’uomo. Quindi, bisogna costruire il futuro con ottimismo.

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http://www.radiocinema.it/78414/eventi/come-voglio-che-sia-il-mio-futuro

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http://www.radiocinema.it/78414/eventi/come-voglio-che-sia-il-mio-futuro

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“Il montaggio è l’essenza di tutto il lavoro cinematografico. Per praticarlo con eccellenza non ci vuole solo padronanza tecnica (quella la si acquisisce in un lampo), occorre invece imporre a se stessi una ferrea disciplina di vita. Entrare in moviola vuol dire entrare in una chiesa dove nient’altro esiste tranne la fede nell’opera alla quale stiamo dedicando un frammento unico e irripetibile della nostra vita. Montare un film è un modo di vivere, non un modo di lavorare. Per questo il montatore cinematografico dovrebbe essere innanzitutto onesto con se stesso e chiedersi, ogni volta che da un ammasso caotico di materiale girato deve scegliere una scena al posto di un’altra, se la sua scelta è dettata dall’esperienza o, soprattutto, da una visione del mondo che lo rende, in quel preciso momento, più vicino a un vero artista che a un tecnico. Ho letto una volta una bella frase di San Francesco d’Assisi, che non ho mai dimenticato: – Cominciate col fare ciò che è necessario, poi ciò che è possibile. E all’improvviso vi sorprenderete a fare l’impossibile. – A volte, a un montatore ogni regista chiede esattamente questo: l’impossibile. E l’impossibile è raggiungibile solo con la disciplina interiore, non con una vita dissoluta. Solo così si mette in evidenza il talento perché il vero artista non è, come spesso si dice -maledetto – ma, più semplicemente consapevole del proprio ruolo, e quindi delle sue capacità e dei suoi umani limiti.” 

da “Prima del ciak” – FreeSolo Libri

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Zaccaro ‘Ora basta copiare quelli di E.R.’

ROMA – “Un momento di transizione tra un film e l’ altro”. Questo è per Maurizio Zaccàro La missione, due puntate per Canale 5. Tra i progetti futuri c’ è Il mondo alla fine del mondo dal successo di Luis Sepulveda, che sarà coprodotto dalla Rai. Girata nello Zimbawe, tre mesi e mezzo tra sopralluoghi e riprese, La missione è prodotta per Mediaset da Pietro Valsecchi, nel cast Barbara De Rossi, Massimo Ghini ed Eliana Miglio, trascinati nella generosità e nella dedizione agli altri da Michele Placido, missionario energico e grandioso. “Mi è piaciuta la storia, tutta costruita su elementi di realtà, con il fascino della figura di questo prete che, a dispetto dell’ essere prete, vive dentro i fatti. C’ è una sua battuta – “Ci dicono di non fare politica, ma per noi non fare politica sarebbe come non respirare” – che riassume lo spirito del film. Per chi vive in situazioni d’ emergenza come quella, non è possibile tenersi fuori, chiedersi da che parte sta chi ha bisogno di aiuto. La missione, in certe regioni calde come quelle africane, diventa un territorio neutrale, come un’ ambasciata. E mi piace anche il personaggio di Ghini, che, a contatto con la realtà dell’ Africa, si trasforma, dimentica le ambizioni e il cinismo”. Per Zaccàro, a parte la scoperta che “un film per la tv ha tempi e cadenze molto precise, rispetto al cinema c’ è meno libertà di intervenire sulla sceneggiatura”, la difficoltà più vera è stata di ordine morale: “Le riprese sono state fatte in una vera missione cattolica dello Zimbawe, ma nel film è una missione del Burundi, dove non avrei mai girato. Sia pure con le intenzioni più oneste, è comunque cinema e non potevo ricostruire una finzione nei luoghi e tra la gente che ha vissuto sulla pelle la verità della tragedia. Abbiamo preferito prendere tutte le comparse dal Burundi e portarle nello Zimbawe”. Così come in occasione di Il carniere, ambientato nell’ ex Jugoslavia, “non ho raccontato una storia di serbi o di bosniaci ma le vicende del paese fanno da sfondo al viaggio di protagonisti italiani, anche La missione è la storia di italiani che si trovano a vivere in un momento tragico del Burundi. Non credo che un autore abbia il diritto di entrare direttamente in una cultura che non gli appartiene. E, malgrado tutto, mi sono reso conto che in Africa arrivano in tanti a tirare bidoni. Penso che anche noi, con il nostro film, abbiamo portato via qualche cosa”. Quanto al suo rapporto con la tv, Zaccàro rifiuta “l’ omologazione ad altri modelli. Per esempio, nella sequenza dell’ intervento chirurgico nella missione, sono stato bene attento a non copiare E.R., invece di stare drammaticamente sui dettagli, è tutta vista in soggettiva, da lontano. Io penso che dovremmo ridare alla tv italiana una sua riconoscibilità, imporre il nostro modo di pensarla e di farla, un po’ come si cerca di fare con il cinema. Ma è possibile che di italiano riusciamo a imporre al mondo soltanto la moda?”.

M.p.f. La Repubblica 26 gennaio 1998

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LA RUBRICA DEL LUNEDI’: INCONTRO CON MAURIZIO ZACCARO,

REGISTA E DIRETTORE ARTISTICO DEL MONTEFELTRO FILM SCHOOL FESTIVAL 2015.

Mancano una decina di giorni al debutto della prima edizione del Montefeltro Film School Festival. Ci può raccontare come è nata questa idea e perché a Pennabilli?

E’ nata semplicemente perché in Italia, a differenza di tante altre nazioni che hanno da sempre un occhio di riguardo per i film prodotti dalle Scuole di Cinema, vedi Poitiers in Francia o Monaco di Baviera in Germania, non è mai esistito un Festival dedicato esclusivamente ai giovani aspiranti registi. Era ora di colmare questo vuoto. E l’abbiamo fatto proprio a Pennabilli, piccola cittadina dell’entroterra romagnolo, ma carica di Storia Cinematografica soprattutto per la presenza di Tonino Guerra, sceneggiatore e poeta, che qui ha vissuto e lavorato per decenni. Non a caso, proprio quest’anno, L’EFA (European Film Academy) ha riconosciuto “Il mondo di Tonino Guerra” fra i tesori della Cultura Cinematografica Europea, come il Bergmancenter di Faro in Svezia, Il Centro Eisenstein a Mosca e l’Istituto Lumière a Lione.

Ho visto il programma, saranno 5 giorni densi di avvenimenti e spettacolo. Una grande scommessa se consideriamo che Pennabilli è un paese di 3000 abitanti, un po’ lontano da tutto.

Sono molto legato a Pennabilli e a tutto il Montefeltro, ho girato in queste zone ben due film: “Kalkstein – La valle di pietra” con Charles Dance e “Al di là delle frontiere” con Sabrina Ferilli. Anche se non sono romagnolo amo questi posti, mi ricaricano e regalano serenità. Quando ho tempo mi piace prendere l’auto e andarmene in giro, da un paese all’altro, con calma. E’ nato così anche “Il piccolo mare” un documentario che ho realizzato di recente sulla Valmarecchia. Mi è sembrato quindi un’evoluzione naturale delle cose scegliere proprio Pennabilli come luogo ideale per il Montefeltro FSF. Il fatto che sia poi così lontano è del tutto opinabile. Un bellissimo libro di Claudio Magris su Joseph Roth s’intitola appunto “Lontano da dove” , come a dire che nessun posto è lontano se è fonte di ricchezza e scambio culturale, quindi di reciproco arricchimento . Questo è quello che dovrebbe essere e diventare Pennabilli con il Montefeltro FSF. Del resto i ventimila ospiti che affollano il paese durante Artisti in Piazza, al di là della storia ormai più che decennale della manifestazione, dimostrano ampiamente che la gente se vuole, raggiunge qualsiasi posto non solo per divertirsi ma anche per capire qualcosa in più di se stessa. L’arte in fin dei conti serve proprio a questo.

I Festival normalmente vivono di grandi nomi, di glamour. Come può una manifestazione dedicata alle scuole di cinema attirare pubblico se non si conosce nessuno?

Come le ho già detto basterebbe andare a Poitiers o a Monaco per vedere quanta gente affolla le sale delle proiezioni. Grandi nomi e glamour sono importanti per i festival generalisti, quelli che devono giustificare grandi budget. Noi siamo piccoli, molto piccoli. E nuovi. Con il nostro budget il Festival di Cannes si comprerebbe giusto il tappeto rosso per la Montée des Marches. Noi ci basiamo su altre cose, primo fra tutto l’altissima qualità dei film che proponiamo. 38 piccole gemme selezionate dopo un lavoro durato mesi. Film davvero esemplari per come sono stati concepiti e realizzati. Ma non c’è solo questo. Credo che la cosa più bella del nostro Festival, al di là della sua freschezza innovativa, stia proprio nel fatto che offriamo al pubblico i primissimi lavori di chi, magari con un pizzico di fortuna, fra una decina d’anni approderà a Cannes e vincerà la Palma d’oro. A quel punto saremo orgogliosi di aver contribuito, anche se per una minima parte, al suo percorso di autore e narratore cinematografico. Questo è il vero senso del Montefeltro Film School Festival. Tutto il resto, il disperato accalcarsi di chi cerca visibilità, è un’altra cosa e spesso finisce per confondere il Cinema con la Tv, spegnendone il valore.

Visto che Il Montefeltro film School Festival si occupa di scuole, lei ha mai frequentato una scuola di cinema?

Certo, anche se non ho mai amato le scuole, i docenti, gli orari, gli esami. Tutte cose che ho sempre vissuto in modo passivo nei confronti di quello che ero, un ragazzo che ambiva solo alla sua libertà, uno come tanti in quell’epoca spensierata e “on the road” degli anni ’70. Finché un giorno un manifesto incollato a un muro non ha cambiato per sempre la mia vita. Era la pubblicità di una Scuola di Cinema. All’epoca m’interessava la scenografia. La scuola era serale, dalle 19 alle 22. La “Civica di Milano per la formazione professionale”. Purtroppo ero incappato in quel manifesto troppo tardi e i corsi di scenografia erano già al completo di iscrizioni, restavano giusto due posti per la selezione al corso triennale di regia.

Ricordo che quella sera uscii da quella scuola rabbioso con me stesso: se solo avessi visto prima quel manifesto! Cento, duecento metri in silenzio, solo con i miei pensieri. Poi chissà cosa mi fece tornare sui miei passi e così, anche se con molto scetticismo, mi iscrissi al corso di regia. Tanto chi l’avrebbe mai passata quella selezione? Andò al contrario e cominciarono i tre anni più incredibili della mia vita. In quel posto fatiscente, ricavato da un fabbricato di ringhiera, in Via Campo Lodigiano, avevo trovato finalmente qualcosa che, giorno dopo giorno, mi stava cambiando al punto che quattro ore ogni sera non mi bastavano più. Andai dal preside, un uomo dall’aria mansueta come il suo nome: Filippo. Gli chiesi di poter frequentare la scuola anche di giorno, anche la mattina, anche senza professori. Mi bastava l’accesso alle moviole, alle macchine da presa, alle luci, ai teatri e a quel po’ di pellicola che si riusciva a raggranellare grazie alle donazioni di qualche casa di produzione milanese. Dopo una estenuante trattativa, densa di mugugni, il preside accettò la proposta e la Civica divenne per me, e un manipolo di altri allievi, la vera casa. Lavoravamo di giorno e la sera ci confrontavamo con i docenti, seguendo assiduamente ogni lezione.

E il passaggio dalla Scuola di Cinema di Milano alla professione vera e propria come è avvenuto?

Quasi per caso, mi creda. Per caso, sì. Fra i docenti di quella scuola c’era un ometto che si occupava di produzione, si chiamava Attilio. Una sera arrivò alla Civica con una grande espressione di felicità stampata in volto. Il film al quale aveva lavorato come Direttore di Produzione aveva vinto la Palma d’Oro a Cannes: “L’albero degli zoccoli”. Scoprii così, quasi per caso, che l’ometto lavorava da decenni con Ermanno Olmi, uno dei pochi registi lombardi in attività. Olmi in quel momento era in preparazione con un nuovo film che avrebbe girato a Volterra. Chiesi ad Attilio di portarmi con lui a lavorare. C’erano casse da portare? Le avrei portate. C’era da faticare? Avrei faticato in silenzio. Lui mi squadrò dall’alto in basso e non disse nulla. Nemmeno una parola. Amen, pensai. Ci ho provato.

Intanto, accampato nelle moviole della scuola, montavo dei piccoli lavori dagli scarti dei film girati da altri allievi. Mi piaceva trovare il bandolo della matassa dalle scene più disparate, più brutte, a volte davvero orrende, e ricreare da quei materiali qualcosa che si potesse vedere e soprattutto capire. Ne uscirono un paio di cortometraggi a loro volta terribili, ma comunque miei. Per la prima volta c’era il mio nome stampato sulla pellicola anche se tutto sbilanciato da una parte e traballante. Poi presi coraggio e finalmente ne girai uno tutto mio. Grazie ad Attilio il filmino arrivò sotto gli occhi di Olmi. Quindici minuti girati a mano con una piccola Bolex 16mm, una sorta di cinegiornale ispirato al “MALE”, che all’epoca era un giornalino di satira politica. Olmi lo vide, lo apprezzò e disse ad Attilio di caricarmi sul furgone delle macchine da presa e di portarmi a Volterra dove però non mi sarei occupato di regia, ma di fotografia. Olmi a quel tempo era anche un grande operatore. E’ andata così, insomma…

Un augurio per il Montefeltro Film School Festival?

Il Montefeltro FSF nasce oggi. Amatelo perché è piccolo. Aiutatelo a crescere e ad avere una lunga vita. Lo stesso augurio che facciamo per ogni creatura che viene al mondo fra mille difficoltà, soprattutto in questo preciso momento storico, fra crisi conclamate, guerre, carestie, muri che si alzano ovunque per dividere i popoli. Ricordiamoci che un Festival serve anche a questo, ad abbattere questi orrendi muri e a far incontrare i popoli fra loro, non a dividerli. Un festival internazionale insomma va oltre ogni confine, ogni divisione e, soprattutto se dedicato ai giovani, è un solido ponte verso il loro futuro.

O.d.G.

Pennabilli, 13 luglio 2015

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In about two weeks, the first edition of the Montefeltro Film School Festival will open. Could you tell us how the idea came about, and why you chose Pennabilli?

Simply put, unlike many other countries that have always paid attention to films made by Film Schools, like Poitiers in France or Munich in Germany, there has never been in Italy a Festival devoted exclusively to young aspiring filmmakers. Now the time has come to fill this gap. And we’ve done so right in Pennabilli, a small town in Romagna’s inland, full of Film History, thanks to Tonino Guerra, screenwriter and poet, who lived and worked here for decades. It’s no chance that this year, the EFA (European Film Academy) acknowledged “Il mondo di Tonino Guerra” as among the treasures of European Film History, like the Bergman Center in Faro in Sweden, the Eisenstein Center in Moscow, and the Institute Lumière in Lyon.

I’ve seen the program. 5 days full of events and performances. A big risk, considering Pennabilli is a small town with 3,000 inhabitants, a bit out of the way.

I’m really tied to Pennabilli and all of the Montefeltro. Here, I shot two films: “Kalkstein – Valley of Stone” with Charles Dance and “Beyond Borders” with Sabrina Ferilli. Even though I’m not from Romagna, I love these places. They give me energy and tranquility. When I have time, I like to get in my car and drive around, from one town to another, without rushing. That’s how “Il piccolo mare” came about: a recent documentary of mine on the Valmarecchia. So I thought this was the natural, next step in choosing Pennabilli as the ideal place for the Montefeltro FSF. The fact that it’s so far away is just an opinion. There’s a lovely book by Claudio Magris on Joseph Roth called “Far from Where,” as if to say that no place is far if it’s a source of wealth and cultural exchange, and therefore mutual enrichment. This is what Pennabilli should be and become with the Montefeltro FSF. Besides, the 20,000 guests that flock here during the event Artisti in Piazza (which has taken place for over ten years now) unquestionably proves that if people want something, no place is small or far enough, where they can understand something more about themselves, and not just have fun. After all, this is what art is for.

Usually, Festivals have big names, glamour. How can an event devoted to film schools attract an audience if those in competition are not famous?

As I already stated, all you need to do is go to Poitiers or Munich to see how many people flock to the film halls. Famous names and glamour are indeed important for generalized festivals, the kind that have to justify big budgets. We’re small, very small. And new. With our budget, the Cannes Festival could just about buy their red carpet for the Montée des Marches. We’re interested in other things, especially the top quality of the films we’re showing. 39 small gems, selected after months of hard work. Films that are truly exemplary for how they have been made and conceived. But there’s more. I think the best thing about our Festival, besides its freshness and innovation, is that we’re giving the public the very first works of those who, maybe with a hint of luck, may reach Cannes and win the Palme d’Or in a few years. At that point, we’d be proud to have contributed, even though in a small way, to the course of this artist and storyteller through pictures. This is the real sense of the Montefeltro Film School Festival. Everything else, along with the desperate attention seeking, is something quite different and often ends up turning Film into TV, making it worth less.

Seeing that the Montefeltro Film School Festival is all about schools, did you ever attend a Film School?

Of course, even though I never really liked schools, professors, timetables, exams: things I’ve experienced passively with regards to who I was, a young man who wanted to be independent, one of the many in those lighthearted “on the road” years of the 1970s. Until one day, I saw a poster on a wall that changed my life. It was an ad for a state Film School. At that time I was interested in set design. It was night school, from 7 pm to 10 pm. The “Civica di Milano per la formazione professionale.” Unfortunately, I came across that poster too late and set design classes were all full. Only two spots remained for the three-year course in directing. I remember leaving the school that evening, angry with myself: if I had only seen it earlier! Step after step, I walked along, alone with my thoughts. Then, who knows why I went back, I enrolled in directing, though full of skepticism. Plus, who knew I’d pass the selection? So I went against the tide and the most incredible three years of my life began. In that run-down building, in a former tenement, on Via Campo Lodigiano, I finally found something that, day after day, was changing inside of me. Four hours of classes a day weren’t enough. So I went to the Dean, who had a gentle air about him, just like his name: Filippo. I asked if I could attend the school by day, too, even without any professors. All I needed was to be in the cutting room, with the cameras, lights, theatres, and bits of film we could scrap together thanks to the kindness of some production companies in Milan. After much negotiation, the Dean accepted my offer and the Civica became for me, and for many others, my real home. We worked by day and in the evenings we’d meet up with professors, and carefully followed all classes.

And the step from the Scuola di Cinema di Milano to actually working in the field?

Practically, by chance, believe me. Indeed. Among the teachers at the school there was this small guy who was in charge of production: Attilio. One evening, he arrived at the Civica with a great look of happiness on his face. The film he was working on as production manager had just won the Palme d’Or at Cannes: “Tree of Wooden Clogs.” So, by chance, I found out he had collaborated for decades with Ermanno Olmi, one of Lombardy’s few working directors. At that time, Olmi was preparing for a new movie he was supposed to shoot in Volterra. So I asked Attilio if I could go with him and help out. Was there any equipment to bring? I volunteered. Work to be done? I would have done anything, without complaints. He looked me up and down, but said nothing. Not even a word. It’s over, I thought. But at least I tried. In the meantime, in the cutting room at the school, I was editing some small works on snippets of films shot by other students. I liked getting to the heart of the matter with all those scenes: some were really bad, ugly, and I would try to create something that could be viewed and, above all, understood. So I made some shorts that were also terrible, but they were mine, nonetheless. For the first time, I found my name printed on the film, even though all to one side. So I mustered up some courage and finally shot one on my own. Thanks to Attilio the short reached Olmi. Fifteen minutes filmed by hand with a small Bolex 16mm, a sort of newsreel inspired by “MALE,” which at the time was a satirical political newspaper. Olmi saw it, like it, and told Attilio that I could come along with him to Volterra where I’d work on cinematography, not as assistant director. Olmi, at the time, was also a great cinematographer, too. So that’s how it went . . .

What do you wish for the Montefeltro Film School Festival?

The Montefeltro FSF is born today. Love it, because it’s small. Help it to grow and live a long life. This is the same thing we all wish to newborns, who come into this world despite hardships, and at this really difficult time we’re living in, amidst crisis, war, famine, walls being raised just about everywhere to divide people. Let’s keep in mind that a festival is also for this, to knock down these terrible walls and unite, not divide, people. An international festival goes beyond all borders and, especially if it’s devoted to young people, it’s a strong bridge towards their future.

O.d.G. Pennabilli, July 13, 2015

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“Alimentare una falsa amicizia è uno spreco di tempo inaudito. Anche se le amicizie, come si dice, scandiscono la nostra esistenza, occorre saper distinguere fra l’amico e l’opportunista o, peggio ancora,  il lacchè. Dice Plutarco “Non ho bisogno di un amico che cambia quando cambio e che annuisce quando annuisco; la mia ombra lo fa molto meglio.” Per questo , di tanto in tanto, è necessario rivedere le nostre amicizie. Appurato che non sono tali, eliminarle senza indugio e riprendere il treno della vita. Se poi il vagone è vuoto fa niente. Meglio viaggiare da soli piuttosto che dividere la propria esistenza con chi ti offre da bere quando stai morendo di fame.”

Conferenza presentazione “Il piccolo mare – Luoghi e persone di cui voglio riferire” .  Rimini, gennaio 2013

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