Inizio riprese per “A TESTA ALTA – I MARTIRI DI FIESOLE”

Primo Ciak il 6 maggio nella spettacolare ambientazione di Ronciglione, riportata per l’occasione al 1944/45. Il nuovo film prodotto da Ocean Productions di Sergio Giussani e RaiFiction, diretto da Maurizio Zaccaro (Mafalda di Savoia, I ragazzi della via Pal, O’ Professore) sarà interamente girato nella Tuscia dove, con un notevole sforzo produttivo, è stato ricostruito il centro di Fiesole nei momenti che precedono la Liberazione.
Gli ingredienti sono quelli più classici del genere bellico-drammatico. Il film racconta infatti le vicende di tre militi dei Carabinieri Reali, Alberto La Rocca, Vittorio Marandola e Fulvio Sbarretti, che il 12 agosto 1944, alla vigilia della Liberazione di Firenze, per salvare 10 ostaggi civili si consegnarono al tenente della Wehrmacht Hans Hiesserich, comandante del settore di Fiesole e subito dopo, con l’accusa di essere affiliati alla V brigata della formazione partigiana di Giustizia e Libertà, furono fucilati. Notevole il cast che si avvale di artisti di grande talento e amati dal pubblico come Giorgio Pasotti, Nicole Grimaudo, Johannes Brandrup, Ettore Bassi, Raffaella Rea, David Coco e Andrea Bosca.
A fotografare il film Fabio Olmi (Il mestiere delle armi, Le ragazze dello Swing) da sempre uno dei più fidati collaboratori del regista. Le imponenti scenografie che si possono ammirare in zona sono di Paolo Innocenzi, mentre i costumi sono creati da Paola Marchesin.
C. Aquilani

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showreel X from maurizio zaccaro on Vimeo.

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Il filo conduttore di questo lavoro si snoda lungo gli argini del Marecchia, piccolo ma importante fiume della Romagna, scandagliando il  mondo che si affaccia sulle sue acque; le attività dell’uomo, le grandi industrie e i piccoli artigiani, il fluire dei giorni e delle stagioni, il mutare dell’ambiente. Un lento viaggio in una valle ancora intatta, di primordiale bellezza, un po’ di qua e un po’ di là, come concede il cinema libero e indipendente. Il Marecchia ha una storia straordinaria, a cominciare dal suo antico nome “Maricula” o PICCOLO MARE per i Romani, che poi ha visto nascere Rimini.
Compagno fedele e silenzioso delle più schiette genti di Romagna, il Marecchia è un fiume carico di cultura e segreti che meritano d’essere svelati; con il dovuto rispetto che ogni fiume, anche il più piccolo e apparentemente insignificante, merita. Non a caso un fiume è per eccellenza la figura interrogativa dell’identità e il suo eterno movimento, che sia di 70 km o di 650 come il Po, è “una sfida alla fissità dell’identico” come scrive Claudio Magris nel suo “Danubio”.

Raccontato in questi termini potrebbe sembrare un documentario a sfondo ecologico ma, come vedremo,  non è così, soprattutto per i luoghi e le persone che presenta.  L’ordito del progetto è sostenuto infatti da vari “mediatori del racconto” che incoraggiano lo spettatore a farsi condurre per mano “per molte strade” dove a volte la realtà è diversa da quello che in apparenza è; oppure a conoscere persone che hanno una storia da raccontare. Uno di questi percorsi svela qualcosa che pochi sanno: un pericolo, anche se ancora remoto, che non solo il fiume ma l’intera valle sta rischiando. Alcuni, soprattutto fra i politici, sostengono infatti che il territorio soffre una cronica emergenza di collegamenti e auspicano una nuova bretella che, intercettando la E45, colleghi l’Adriatico al Tirreno.
In questo contesto “Il piccolo mare” non decanta quindi solo le bellezze naturali di un luogo fortunatamente ancora intatto, ma mette in guardia chi vuole perseguire idee di distruzione prima che l’intera Valmarecchia si trasformi in una nuova Val Susa.
La storia del Marecchia, o PICCOLO MARE, è la storia della civiltà e della cultura della Romagna. Ma è anche quella dell’avventura dell’uomo, perché egli sa che l’acqua provvederà alla vita di tutti i suoi figli. Per questo i fiumi, piccoli o grandi che siano, sono sacri, e meritano da noi il massimo rispetto.

Maurizio Zaccaro, dicembre 2012

TRE ANNI DI RIPRESE, PIU’ DI CENTO ORE DI MATERIALE GIRATO, L’ETERNO CONFRONTO FRA NATURA E UOMO, 65 MINUTI DI FILM CHE RACCONTANO L’ULTIMA VALLE INCONTAMINATA D’ITALIA E IL SUO FIUME, IL MARECCHIA, CHE LA GENTE DEL POSTO CHIAMA CON AFFETTO “IL PICCOLO MARE”

“IL PICCOLO MARE – luoghi e persone di cui voglio riferire” è disponibile per proiezioni e presentazioni pubbliche.

Per organizzare una presentazione questa è la procedura:
1. Tecnicamente bastano un videoproiettore, uno schermo, un lettore dvd blu-ray e un impianto audio.
2. Appena avete individuato un luogo e un periodo contattateci a questo indirizzo:
freesoloproduzioni@gmail.com
Fisseremo insieme la data e concorderemo le modalità di noleggio e spedizione della copia. Su richiesta è possibile organizzare proiezioni alla presenza del regista o dei protagonisti.

IL PICCOLO MARE . LUOGHI E PERSONE DI CUI VOGLIO RIFERIRE E’ DISPONIBILE ANCHE SU DVD PER SOLI 10 EURO, SPESE DI SPEDIZIONE ESCLUSE ( scrivere a freesoloproduzioni@gmail.com)

“Un tale torna a casa dal college e trova la madre a letto con lo zio; c’è pure un fantasma che si aggira nei dintorni. Scrivilo bene ed è Amleto, scrivilo male ed è una soap opera.”
Stampato a caratteri cubitali, incorniciato e strategicamente posizionato su una mensola ad altezza d’occhio, questo aforisma di Lorne Michaels, produttore canadese, fa bella mostra di sé alle spalle di un suo noto collega romano, in modo che gli sceneggiatori non possano fare a meno di leggerlo.
Ma cosa vuol dire “scrivere bene” una sceneggiatura? Per i produttori la risposta è elementare: tenere ben presente il gusto del pubblico e quindi del mercato. Secondo gli autori invece è il tentativo d’essere quantomeno originali, innovativi nelle trame. Altre regole non ci sono. Come non esistono scuole che possono insegnare questo mestiere, a meno che nel corpo docenti non ci siano personaggi come David Mamet o Lawrence Kasdan .
Una sceneggiatura non è un romanzo ma non è nemmeno, per il momento, un film. E’ qualcosa che sta esattamente in mezzo, in quella no man’s land che, a volte, si chiama ”cassetto”. Ci sono sceneggiature che stanno lì per anni, anche decenni, per poi trasformarsi d’improvviso in immagini, magari anche in un’opera d’arte (Il pranzo di Babette di Gabriel Axel e Eyes Wide Shut di Stanley Kubrick, realizzate dopo quasi vent’anni di gestazione) e altre che invece muoiono così: semi sterili, idee rimaste in embrione, come ibernate per un viaggio interstellare che non troverà alcun approdo.
Delle quattro sceneggiature contenute in questo volume, per ora solo una è riuscita a compiere il suo viaggio fino al grande schermo ed è “L’articolo 2” , realizzato nel lontano 1993 da un tema forse troppo spregiudicato rispetto ai tempi. Aveva ragione Ugo Pirro che amava infatti ripetere ai suoi allievi: “ Pensate con anticipo, ma non troppo, perché altrimenti non vi capiscono”.
Le altre sceneggiature, da “Un tè da Calcutta” a “La casa all’ultimo piano” , passando per “La donna distesa”, adattamento in chiave moderna del monologo interiore di Arthur Schnitzler “Fraulein Else”, sono tuttora alla ricerca di finanziamento, come aerei in attesa di carburante prima del decollo. Storie che, probabilmente, non si alzeranno mai in volo, che non daranno alcuna luce al grande schermo, ma che tuttavia esistono, pensate e scritte nella massima libertà d’espressione, perché è così che si dovrebbe lavorare per il Cinema.

Maurizio Zaccaro

dal web, 6 giugno 2012 : 

QUANDO IL WEB SI SOSTITUISCE AL CINEMA E ALLA TV, ANNUNCIANDONE LA FINE: E’ IL CASO EMBLEMATICO DI UN PREZIOSO DOCUMENTARIO CHE, UN ANNO DOPO LA SUA REALIZZAZIONE E L’UNICA PROIEZIONE AL FESTIVAL DI VENEZIA 2011, NESSUNO VUOLE PUBBLICARE IN DVD, E NEMMENO MANDARE IN ONDA. ESCE A SORPRESA SU YOU TUBE, CON TANTO DI CONTENUTI EXTRA E NOTE,  “UN FOGLIO BIANCO”.

[]

UN FOGLIO BIANCO 

ERMANNO  OLMI, uno dei più grandi maestri del cinema europeo, ha  appena compiuto 80 anni. “Un Foglio Bianco” non è solo un documentario o un omaggio alla sua inimitabile arte ma soprattutto il mio piccolo regalo di compleanno all’uomo che ha dato a tanti giovani aspiranti registi l’opportunità e il privilegio di “rubargli” il mestiere stando alla sua ”bottega”.

Raramente Olmi si è prestato, anzi sarebbe meglio dire “offerto”, all’obiettivo di una telecamera come in questo caso dove, per 90 minuti (ma ne avrei potuti montare anche il doppio per l’enorme quantità di materiale girato), si mette con affabilità e partecipazione “in scena”.  Per convincerlo però è stato necessario un patto: non una troupe al seguito che avrebbe in qualche modo intralciato il percorso creativo durante le varie fasi della realizzazione de “IL VILLAGGIO DI CARTONE”  bensì un solo uomo, una piccola telecamera hd, un microfono e niente più.

Un gioco a due quindi, di grande intimità e reciproca complicità. Di questo percorso compiuto insieme, dalla preparazione alle riprese, durato ben quattro mesi, ho cercato di cogliere gli aspetti più misteriosi e intimi del lavoro di un regista ma non solo. Quello che mi interessava veramente non era documentare la “macchina cinema” bensì tutto quello che la nutre, a cominciare dagli incontri con i personaggi che Olmi andava infaticabilmente cercando per comporre il cast che ora dona volti e voci alla sua opera. Donne, uomini e bambini provenienti da paesi lontani, approdati in Italia dopo viaggi a dir poco epici e pericolosi al tempo stesso. Per tutti costoro Olmi non era un regista ma più semplicemente un amico col quale dialogare (a volte grazie ad un interprete) alla pari, senza pregiudizi, senza soggezione, in totale libertà e serenità.

“E come si chiama?”  

“Olmi, come gli alberi…”  

“Uhmm, e di cosa si occupa?” 

“Di fare questo film…” 

Uno scambio di battute memorabile e unico. E così di seguito con tanti altri, sempre con un sorriso sulle labbra e una parola gentile per tutti. Ne è nato un film-documentario credo molto particolare, denso di sentimenti, umanità e reciproco rispetto, dedicato a chi ama il cinema e a chi il cinema lo vorrebbe fare.

 Maurizio Zaccaro

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“Maurizio Zaccaro ha girato sul set un bellissimo special, Un foglio bianco , che rimanda lo spirito dell’ opera e l’ atmosfera di un luogo speciale nel segno di un Vangelo vissuto, quotidiano.

Maurizio Porro – Corriere della Sera

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UN FOGLIO BIANCO – note tecniche 

soggetto, sceneggiatura, fotografia e regia  

MAURIZIO ZACCARO 

organizzazione 

ELISABETTA OLMI  

musiche 

TEHO TEARDO  

montaggio e motion graphic 

DARIO INDELICATO  

aiuto regista e seconda unità 

ALESSANDRA GORI  

fotografo di scena 

KASH GABRIELE TORSELLO  

prodotto da

LUIGI MUSINI  

una produzione

CINEMAUNDICI 

FREESOLO PRODUZIONI 

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nazionalità ITALIANA 

anno di produzione 2011 

ambientazione 

Bari . Palazzetto dello Sport Palaflorio 

aspect ratio:  16:9 full hd 1080  

durata film  91’ 43″

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ufficio stampa

VIVIANA RONZITTI . KINORAMA sas

Via Domenichino 4 . 00184 ROMA . ITALY

06 4819524 . +39 333 2393414

ronzitti@fastwebnet.it   www.kinoweb.it

materiale stampa su: www.kinoweb.it 

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 si ringrazia 

Maurizio Millenotti 

Giuseppe Pirrotta 

Irima Pino Viney 

Elhadji Ibrahima Faye 

Fatima Alì 

Samuels Leon Delroy 

Rashidi Osaro Wamah 

Fernando Chironda 

Souleymane Sow 

Heven Tewelde 

Prosper Elijah Keny 

Linda Keny 

Blaise Aurelien Ngoungou Essoua 

e  tutto il cast tecnico e artistico che ha contribuito alla realizzazione del film  “Il villaggio di cartone”

 e in particolare  

Michael Lonsdale 

 e Rutger Hauer

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Un foglio bianco - 

di Maurizio Zaccaro

La libertà scritta sullo schermo

Fonte: Cineclandestino -Maria Lucia Tangorra 

«Il nostro futuro è nella ricerca delle origini e io

penso che in questa ricerca l’Africa salverà noi e

non viceversa, perché ci farà conoscere e ci

riporterà al punto delle origini. Se abbiamo

bisogno di aiuto chiediamolo a loro»

- Ermanno Olmi -

Ermanno Olmi, uno dei più grandi maestri del cinema europeo, ha appena compiuto 80 anni. Il film, realizzato a Bari, sul set de Il villaggio di cartone segue giorno dopo giorno la lunga preparazione avvenuta interamente dentro il Palazzetto dello Sport PalaFlorio, dove è stata ricostruita la chiesa in cui si svolge buona parte del film. In questa fase della lavorazione, mentre tecnici, falegnami e pittori davano lentamente vita a una spettacolare e originale location, intere giornate venivano spese per il casting. Decine di incontri al giorno, lunghe sedute e amichevoli interviste con i personaggi che man mano si presentavano per farsi conoscere da Olmi e che a volte davano vita a scambi di battute memorabili e unici [sinossi]

Capita spesso che l’allievo arrivato ad un determinato punto del proprio percorso professionale ed umano, scelga di omaggiare il maestro, colui che alimenta con la linfa vitale quell’humus acerbo che ci spinge verso una passione. E’ toccante quando questo omaggio si realizza mettendo in campo proprio quegli strumenti e quegli sguardi acquisiti dal maestro. Come regalo per i suoi 80 anni – e forse anche per il bentornato al cinema (Ermanno Olmi aveva affermato che Centochiodi (2007) sarebbe stato il suo ultimo film) – Maurizio Zaccaro sceglie di girare un film-documentario, Un foglio bianco, seguendo passo passo la lavorazione del nuovo lavoro Il villaggio di cartone di Olmi. Il film di Zaccaro riesce ad essere un preambolo (o prosecuzione a seconda dell’ottica) dell’apologo di Olmi, ma allo stesso tempo si rivela come un lungometraggio a sé. Potremmo letteralmente dire che in campo c’è una macchina da presa, “invisibile”, guidata acutamente da una persona familiare, tanto da essere accettata nonostante la riservatezza del maestro.

La prima inquadratura quasi si fonde simbolicamente con l’ultima de Il villaggio di cartone, un ingresso in scena evocativo per far posto agli “appunti” sul film di Olmi. Disegni, piante delle location, campi-controcampo che coesistono in un incontro.

Un foglio bianco palesa ad ogni fotogramma che si sussegue un montaggio attento (Dario Indelicato) guidato da un’idea registica ben precisa: mettere nero su bianco il farsi della poetica di Olmi nella sua artigianalità, tecnica e umana. Il film di Zaccaro sembra rispondere alla legge: dal particolare all’universale perché anche se è stato girato in occasione delle riprese de Il villaggio di cartone la mano del regista-maestro è inconfondibile. Colpisce vedere come uno dei maestri della cinematografia italiana rifinisca col pennello il Cristo senza demandare esclusivamente alle maestranze, avendo coscienza dell’importanza del suo occhio anche nel lavoro tecnico. E’ nella parte dei casting che i segreti del mestiere emergono con maggiore potenza perché la chiave non è essere meccanici, ma sapere di essere delle persone, gli uni di fronte all’altro. Qui capita un episodio simpatico, emblematico della semplicità con cui un maestro si pone, il dialogo tra l’attore (coloro che interpretano gli immigranti sono al loro debutto) e il regista. “E come si chiama?” “Olmi, come gli alberi…” “Uhmm, e di cosa si occupa?” “Di fare questo film…”.

Un foglio bianco si fa scrivere  dall’impronta di un artista che segue i suoi attori giorno dopo giorno, capendo ogni giorno qualcosa in più con loro; basta un pensiero, un’intenzione che corre lungo quei silenzi e quelle parole per dar corpo ai personaggi di un film non realista ed iperconcreto. Sembra un lusso per noi spettatori viaggiare nel lavoro che sottende un film presi per mano da allievo e maestro, Un foglio bianco ci regala questa possibilità, soprattutto, andando oltre lo specifico film(ico), si addentra in quello che è il cammino simbolico intrapreso da Olmi. Un maestro che preserva la semplicità per approdare al simbolico che si – e ci – libera delle sovrastrutture socio-culturali. Con vigore, Ermanno Olmi rivendica la sua libertà e questo forse è il monito più importante che può lasciare al suo allievo, Maurizio Zaccaro (formatosi a Ipotesi cinema, ideato da Olmi e Paolo Valmarana), e a noi tutti. «A ottant’anni non ho nemmeno più bisogno di una sceneggiatura per girare, voglio sentirmi libero, anche di cambiare le cose all’improvviso, essere cioè un foglio bianco da riempire lì, in quel momento».

UN FOGLIO BIANCO  - Ecologia dell’immagine

Di Sergio Di Lino

ORGANIZZA UNA PROIEZIONE:

“UN FOGLIO BIANCO” è disponibile per proiezioni e presentazioni. Per organizzare una presentazione questa è la procedura:

1. Tecnicamente bastano un videoproiettore, uno schermo, un lettore dvd e un impianto audio. Se avete a disposizione una sala più professionale il film è disponibile anche DigiBeta.

2. Appena avete individuato un luogo e un periodo contattateci a questo indirizzo: freesoloproduzioni@gmail.com  Fisseremo insieme la data e concorderemo le modalità per la spedizione della copia. Su richiesta è possibile organizzare proiezioni alla presenza del regista.

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photo- gallery

worldwide copyright © Gabriele Kash Torsello

Storia del Trio Lescano, un gruppo vocale molto noto in Italia tra la seconda metà degli anni ’30 ed i primi anni ’40. La storia è ispirata al libro di Gabriele Eschenazi “Le regine dello swing” (Einaudi). Controversa è la parte della fiction in cui si racconta l’arresto del trio, sul quale esistono opinioni diverse.Alle fine degli anni ’30 tre sorelle olandesi (l’attrice ungherese Andrea Osvárt e le olandesi Lotte Verbeek e Elise Schaap e la loro madre ebrea Eva De Leeuwe (l’attrice olandese Sylvia Kristel); per le canzoni vengono doppiate dalle cantanti torinesi Blue Dolls) arrivano in Italia e presto le giovani vengono impiegate da un impresario artistico napoletano di nome Gennaro Fiore (Gianni Ferreri). Alla madre non piace inizialmente il carattere volgare degli spettacoli, in cui le sue due figlie maggiori, Alessandra e Judith, fanno le ballerine, ma alla proposta di Gennaro di creare un trio di cantanti con la sorella minore accetta. La bravura delle ragazze suscita l’interesse di un impresario senza scrupoli Pier Maria Canapa Canapone (Giuseppe Battiston) che riesce a strappare a Gennaro le tre nonostante la diffidenza della madre. Presto il gruppo acquista notorietà, l’impresario guadagna soldi a palate e in Italia tutti ormai conoscono quello che si chiama Trio Lescano, cioè il cognome Leschan italianizzato. Visto il successo del trio il governo fascista interferisce, tentando di convincere le sorelle ad usare la loro popolarità per sostenere la propaganda del regime. Ma loro non sono interessate e presto sopraggiungono la sfiducia e le accuse. Il fascismo vara le leggi razziali e come gli altri ebrei italiani subiscono una progressiva emarginazione, preludio alle deportazioni. Il trio tiene nascosta la madre ebrea, cittadina straniera, e viene arrestato durante uno spettacolo in una Genova ormai occupata dai nazisti. Rilasciate quasi subito le tre ragazze sono però costrette a nascondersi con la madre e a subire la cancellazione dai programmi di radiodiffusione. Dopo la guerra, indebitate fino al collo, non riescono più a recuperare la gloria perduta in Italia e per questo scelgono di emigrare in Sudamerica, dove mietono ancora successo, ma con la piccola Kitty sostituita da Maria Bria. La più giovane delle Lescano preferisce infatti rimanere con il suo ragazzo in Italia, dove si sposano.

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NOTA DI REGIA

Scrive lo storico e giornalista Adriano Mazzoletti:

“Le Lescano rappresentarono per l’Italia di allora qualcosa di speciale. Quel sottile senso dello swing, quel modo di dividere la melodia così diverso da quello dei colleghi italiani, quelle voci quasi infantili ma accattivanti, l’esotismo del loro accento mitteleuropeo le fecero amare dal pubblico. Riascoltare oggi quei vecchi dischi non è solo commovente, ma fa provare ancora un piccolo brivido.”

Fare un film sulle Lescano, le ragazze dello swing italiano degli anni 30/40, è stata una scommessa non facile, soprattutto per la carenza d’informazioni reperibili sul loro conto nonostante storici e musicologi si prodighino tuttora nelle ricerche. Fra questi, colui che mi ha dato l’idea per proporre e realizzare questo progetto, Gabriele Eschenazi, che (per mestiere e per passione) ha cercato di colmare la lacuna raccogliendo tutto il materiale possibile per ricostruire, in un libro per Einaudi, la loro storia a partire dal ramo materno della famiglia, quello ebraico, sterminato quasi interamente ad Auschwitz.

Infatti in Italia ben pochi sanno che le Lescano, pur facendo parte della memoria nazional popolare della canzone, erano figlie di madre ebrea e che non erano nemmeno italiane bensì olandesi: Alexandra, Judith e Kitty Leschan. Ma per fare due serate di televisione non bastano poche informazioni, il più delle volte contraddittorie fra loro: occorre (pur ispirandosi a fatti realmente accaduti) adattare con originalità e scrivere con un pizzico di “libera immaginazione” a partire proprio da loro, le sorelle Lescano, nella realtà molto più modeste delle tre splendide ragazze, Andrea Osvart, Lotte Verbeek ed Elise Schaap, che le interpretano nel film.

“Le ragazze dello swing” si colloca esattamente qui, a metà strada, come dice il Manzoni, fra “il VERO STORICO e il VERO POETICO, cioè di due tipi di vero, di due modi di rappresentare il vero e il verosimile” in modo da rendere una storia, pur complessa che sia, comprensibile a tutti anche se affonda le sue radici nella leggenda. E infatti, con un balzo azzardato dal Manzoni a John Ford, il passaggio dalla realtà alla leggenda è breve: non a caso il grande regista americano fa pronunciare una delle più famose battute mai scritte per il cinema al giornalista di “L’uomo che uccise Liberty Valance”: “Se la leggenda diventa realtà, stampa la leggenda”.

Con “Le ragazze dello swing” raccontiamo una leggenda, la “stampiamo“ sulla pellicola, la sveliamo e al tempo stesso mostriamo la realtà dell’epoca in cui il Trio Vocale Sorelle Lescano, consumò la sua veloce traiettoria artistica e personale. In poche parole, se le loro indimenticabili canzoni hanno dato, nel tempo, corpo a questa leggenda, in egual misura la drammatica epoca in cui sono vissute precede e da corpo alla realtà degli avvenimenti che scandiscono le loro esistenze. Le Lescano erano portatrici dei valori di quel mondo, erano le “mascotte” del regime, “le tre grazie del microfono” ma erano anche tre fanciulle come tante, con i loro turbamenti, gli amori e tutte le paure e le insicurezze che, nonostante fama e agi, si accompagnano a quell’età. Tutto il resto è lontano, quasi cancellato dal tempo…

Maurizio Zaccaro, settembre 2010  - copyright © Casanova Multimedia – riproduzione riservata.

A fil di rete

Giornata di sole con il trio Lescano

Di fronte alla pochezza della fiction italiana, le due puntate di «Le regine dello swing» sembrano una ventata di giovinezza narrativa, una giornata di sole nel clima plumbeo dell’agiografia, uno squarcio di luce gettato su una pila di vecchi giornali. Accontentiamoci: sulle canzoni degli Abba ci costruiscono un musical e un film; alla nostra tradizione canterina basta una miniserie. Protagoniste sono le tre sorelle olandesi, ex danzatrici acrobatiche, Alexandra, Judith e Kitty Leschan, costrette sotto il fascismo a italianizzare il cognome in Lescano (interpretate da Andrea Osvart, Lotte Verbeek e Elise Schaap).

Il trio diventerà una componente inconfondibile della colonna sonora degli anni Trenta e Quaranta con canzoni di successo come «Tuli-tuli-pan», «Maramao perché sei morto», «Ma le gambe», «Tornerai» e tanti altri. Dal libro che Gabriele Eschenazi ha dedicato alle vicende del trio, edito da Einaudi nel 2001, Maurizio Zaccaro (con lo stesso Eschenazi e Laura Ippoliti) ha tratto «Le ragazze dello swing», prodotto dalla Casanova Multimedia di Luca Barbareschi (Raiuno, lunedì e martedì, ore 21.10).

Le Lescano, che in origine si ispiravanoalle Andrew Sisters, si dovettero misurare con eventi storici più grandi di loro. La loro madre era ebrea e questo le fece diventare oggetto di attenzioni poco benevole da parte del regime, che pure in un primo momento aveva cercato di associarle alla propria causa. Non si dichiararono mai fasciste e questo le mise in ulteriori difficoltà, tanto che furono accusate di trasmettere messaggi in codice al nemico con le loro canzoni. A parte certi toni fin troppo caricaturali o refrain narrativi abortiti sul nascere, «Le regine dello swing» si segnala per la sua suggestione evocativa, per il suo ritmo swingato, per la convincente interpretazione di Gianni Ferreri (il capo-comico Gennaro Fiore) e di Giuseppe Battiston (l’impresario torinese che le introduce all’Eiar).Aldo Grasso - Corriere della Sera

Maurizio Zaccaro (R) receives the jury prize as best director for “The Queens of Swing” (RaiFiction, Italy)  from Barry Hanson after the closing ceremony of the 2011 Monte Carlo Television Festival held at the Grimaldi Forum on June 10, 2011 in Monaco, Monaco.

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IN LOVING MEMORY OF SYLVIA KRISTEL – ADIEU SYLVIA, MERCI’
Utrecht, 28 settembre 1952 – Amsterdam, 17 ottobre 2012

Sylvia Kristel, morta a 60 anni la scorsa notte ad Amsterdam, è stata al cinema Emmanuelle, ma Emmanuelle non era la Kristel, rimasta imprigionata dal successo del mito sessual-consumistico. Un film (10 anni di programmazione ininterrotta a Parigi, 16.000 biglietti staccati il primo giorno, totale 3.268.874 fan) e un romanzo (20 milioni di copie vendute) uscito con lo pseudonimo di Emmanuelle Arsan, come poi il sequel L’antivergine: era in realtà la consorte thailandese di un diplomatico. L’uscita nel ’74 del primo film (il totale per la Kristel, fu di 4 film e 8 fiction Emmanuelle) di quello che sarà un serial erotico-esotico oggi spesso ridicolo, contribuì ai salti in alto del comune senso del pudore. Emmanuelle, programmata fuori dal circuito a luci rosse, permetteva al pubblico borghese di godere della rivincita del sesso. Diciamo della Kristel, colpita da un cancro: nata olandese a Utrecht, nel 1952, bellissima, insinuante, gambe lunghe come le Kessler, eroticamente algida, fu la prima star per adulti senza riserve, immagine di un sogno sensuale glamour e patinato. Aveva provato, lo racconta nella sua autobiografia «Svestendo Emmanuelle», in prima persona a soli 9 anni il trauma di una violenza sessuale e a 14 vide il padre abbandonare la famiglia per un’altra donna. E dopo Emmanuelle, quando lo scandalo si placò e il convivente la abbandonò, la Kristel si diede all’alcol e alla droga, passando da un divo all’altro (Depardieu, Beatty, Ian McShane) finché nell’82 tornò in Olanda col fegato spappolato. Ma Emmanuelle aveva fatto la sua immagine e tutta la serie di quei film, anche quelli per la tv, fu obbligata per contratto e non per libera scelta a girarli. Addio marchese de Sade, siamo nell’industria del sogno levigato e Sylvia rappresentava l’eleganza di una donna abituata a muoversi in ambienti eleganti, mentre nel primo film ebbe come Pigmalione il grande attore spiritualista Alain Cuny (lo Steiner della Dolce vita) con cui ebbe pessimi rapporti. Mai dire mai: la Kristel era stata educata in un convento e forse per ripicca cercò il successo «proibito». Prima modella, vinse il concorso di Miss Europa, infine ecco il primo amore e un figlio, papà lo sceneggiatore Hugo Claus. Il raffinato fotografo parigino Just Jaeckin, al debutto in un genere che non tradirà con Histoire d’O, la scelse, dopo un provino in cui doveva solo dire «Je t’aime, je t’aime». Furono i primi sospiri di Emmanuelle, cui ne seguirono in 10 anni molti altri con la stessa eroina. Che le vampirizzò la carriera, spingendola a respingere d’ora in poi i ruoli da ninfomane, mentre l’indonesiana ma casareccia Laura Gemser le soffiava il copyright della sfacciata con la doppia emme. La nostra faceva sesso con misura e un certo disinteresse: il manifesto la vede seduta su una poltrona di vimini, tra pizzi, merletti e collane di perle, niente a che vedere con le ruspanti Mirande di Brass. Le sue avventure amorose avvengono in viaggio, spesso in aereo, le cui toilette vengono usate in modo improprio (la famosa scena di sesso fu vista da 60 milioni di persone e talvolta anche imitata), meta di luoghi esotici. La Kristel pensava però che fosse un erotismo apprezzato anche dalle donne. Esausta, tentò altre strade, si fa per dire, con L’amante di Lady Chatterley, sempre di Jaeckin, ma non riuscì mai a costruire una nuova verginità artistica. La si ricorda poi come oggetto delle fantasie di Montesano in Un amore in prima classe di Samperi e maestra di sesso in American college. Ma l’unico regista che di recente le ha offerto un’ottima possibilità, ripagata con talento, è stato Maurizio Zaccaro che l’ha voluta come madre del Trio Lescano in una bella fiction Rai, «Le ragazze dello swing», sua ultima apparizione, lontana dalla ginnastica soft core: ora era un’attrice.

Corriere della Sera – Maurizio Porro 19 ottobre 2012

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The story of Milan’s “Piccolo” Theatre is inextricably linked to the city’s history. It all began with the restructuring of the theatre on the Via Rovello.
The worksite was multiethnic, the theatre itself filled with ghosts. What if the tale were Gothic in spirit?
A breath of wind shakes the cellophane on the stage, a beam of sunlight seems to set it afire. Strange shadows move about on that sheet. The magic of the theatre has come to life.

Note di regia del documentario “Il Piccolo”

“IL PICCOLO“ non è stato realizzato per raccontare solo la storia (pur importante e unica nel suo genere) del Piccolo Teatro di Milano, ma anche il dualismo tra lo spettacolo e la realtà, la vita e il suo doppio e quindi, in parallelo, la città che da sempre lo ospita, con tutte le sue contraddizioni e le sue aspettative, spesso frustrate, di essere una vera capitale culturale d’Europa.